Cuando los hijos se van
y yo me siento a la mesa
una profunda tristeza
a mi me suele envargar
veo la casa tan triste
veo las sillas vacias
Donde estan los hijos mios?
porque los deje marchar.
Cuando los hijos se van
y queda el deber cumplido
si no son agradecidos
los tendras que perdonar
es el deber de una madre
quererlos hasta la muerte
pero hay madres sin suerte
que no tuvieron jamas
Una caricia, un consuelo
de los hijos que se olvidan
que madre tan solo hay una
cuando forman un hogar
Una caricia, un consuelo
de los hijos que se olvidan
que madre tan solo hay una
y no se parece a ninguna.
Caja de madera cuya tapa está unida por un solo lado, mediante un pasador metálico. Se cuelga del cuello, quedando poco más arriba de la cintura del ejecutante, pudiéndose tañer mientras este camina. Su tamaño y forma son aproximadamente las de una caja de zapatos. Algunas veces tiene la forma de una pirámide trunca, invertida.
La cajita se toca abriendo y cerrando la tapa con la mano y, con la otra, golpeando el instrumento con un palillo, un martillete de madera u otro cuerpo duro.
Ubicación Geográfica:
La Libertad: Trujillo
Lima: Chancay, Lima
Paralelepípedo de 34.cm. por lado -aproximadamente- que se toca colgado de la nuca. El instrumentista golpea con un mazo elcostado de la caja, mientras con la otra mano golpea incesantemente la tapa abriéndola y cerrándola. Este instrumento se usaba casi exclusivamente en EL SON DE LOS DIABLOS en Lima. Fue incorporado a otras formas musicales en la década del 70. También se le ha llamado Caja a la del Arpa, que era tocada por el cajeador.
Descripción:
Su cuerpo está formado por un arco de madera delgada (generalmente de sauce) de aproximadamente 10 cm. de altura.
Tiene dos parches en cuya periferia llevan cosido un anillo fino de madera (arquito), que el mismo cuero envuelve. Los parches, de cuero, a ambos lados, y atados entre si por medio de un tiento en forma de zigzag. El diámetro de la membrana es de aproximadamente 33 cm. Posee, sobre el parche superior, un hilo llamado «chirlera» y una manija que sale de los tientos. Uno o dos palillos completan el instrumento.
Materiales:
El arco de madera es generalmente un tronco ahuecado (sauce o cordón), el marco se elabora con ramas de poleo. Los extremos retobados (cubiertos) de cuero curtido de cabra, oveja u otro animal. La «chirlera» generalmente se hace de crin de caballo, de hilo o cuerda.
Denominación:
Se llama también tambor, huancara (en lengua Aymará) o tinya (en quechua), por ser un instrumento utilizado en carnaval, de allí el nombre de caja chayera, pues chaya quiere decir carnaval. También recibe el nombre de «caja vallistas» cuando es portada por personas que habitan en los valles.
Antecedentes:
Dentro del contexto de las culturas andinas, y en distintas áreas se observan en vasos escultóricos tocadores de cajas (cultura nazca), en las crónicas de Huaman Poma sobre la cultura Inca, cuyo influjo en el noroeste es notable, se habla de «tocadores de cajas», ilustrando escenas de tales músicos.
Detalles técnicos:
El templado de la caja se realiza para «ponerla a tono», para esto le aflojan los parches, los remojan y los vuelven a extender; el tiento que los une es ajustado, hasta dejar el cuero tenso.
Clasificación:
Membranófono de golpe directo enmarcado.
Funcionalidad:
La caja esta presente en casi todas las manifestaciones tradicionales del noroeste, ya sean festivas, ceremonias populares o religiosas.
Modo de ejecución:
El palillo con que se golpea el parche, se utiliza en la mano derecha, quedando la izquierda libre para ejecutar otro instrumento.
Como en la forma anterior pero en la mano izquierda se sostiene otro palillo.
La función principal es el acompañamiento rítmico, ya sea por canto o por instrumentos: flautilla, pinkullo, erkencho, acordeón, etc.
Dispersión:
Tucumán, Santiago del estero, Salta, Jujuy, Norte de San Juan, La Rioja y Catamarca.
Don Guillermo nació en Trujillo
mi Trujillo se hizo Primavera
Don Guillermo,
luego baila la Marinera.
Desde entonces
ya mi Trujillo baila Marinera (BIS)
Y don Guillermo amigo mío,
en la gloria hoy estás
tú hiciste que todos bailen
Marinera en mi Perú.
Gracias a tus desvelos,
es mi Trujillo:
La capital de la Marinera (BIS)
Como,
Don Guillermo gran caballero,
ya no hay
pañuelo en son de paz y de amor,
la mano en la cintura Catay,
y paso de caballero
fue su bailar (BIS)
Paso de caballero siempre en su bailar,
Don Guillermo
Gracias te da el Perú.
Un dulce despertar
un nuevo amanecer
ya tengo a quien amar
ya tengo a quien querer (bis)
Ni más nimás mi bien sufrir
ni más ni más mi amor llorar
solo por ti mi bien vivir
solo por ti mi amor gozar ( Bis)
Cada vez que tus ojos , si
se encuentran con los mios yo
siento que me sonrojo, si
ay siento inmenso frio
Mis mejillas al colorear
con ese caliz de rubor
te podran demostrar
este inocente amor (Bis)
Es una «flauta de pan», constituida por una o dos hileras de cañas (anterior y posterior) ordenadas de mayor a menor, atados en forma de balsa. Las cañas de la hilera anterior tienen su extremos superior abierto y el inferior cerrado por el nudo natural de la caña. Las del plano posterior poseen el extremo inferior generalmente cortado a bisel y su longitud es la mitad de cada una de las anteriores.
Construcción:
En las culturas Preincaicas se las construía de terracota y piedra. Actualmente se fabrica con cañas de longitud y volumen variable y de canutos de pluma de cóndor (región andina de Ecuador).
Detalles técnicos:
El siku modelo tiene en su totalidad trece (13) tubos divididos en dos partes o «amarros»: una parte con seis tubos llamada IRA y la otra parte con 7 tubos llamada IRKA. Este siku modelo corresponde al registro (tamaño) de las MALTAS (siku mediano).
Están afinados en la escala diatónica de SOL mayor. Existe otra variedad de siku cuya afinación es acomodada a la sucesión de escalas europeas. Se puede obtener la escala cromática tapando parte de la boquilla del caño y regulando el sonido con el labio inferior, mientras que el instrumento toma una posición cercana a la horizontal, logrando alterar las cañas un semitono mas bajo. Con trece tubos se logran 104 notas.
Clasificación:
Aerófobo de soplo, de filo o flauta sin canal de insuflación.
Historia:
Su origen es incierto, ya que se encuentra disperso en distintas regiones del mundo.
Funcionalidad:
Algunas comunidades de aborígenes lo emplean como rituales dedicados a la muerte. En América se utiliza para adorar a los dioses nativos, tiernos, crueles y despiadados. En nuestro país aparece por lo general integrando bandas junto con redoblantes y bombos y demás instrumentos rítmicos en procesiones.
El rondador es un instrumento típico de la música ecuatoriana (extremo izquierdo de la foto), su sonido probablemente sea el más singular de la música andina, ya que el modo como se encuentra afinado y construido es único entre los instrumentos de esta región.
Se cree que este instrumento es ya producto del mestizaje de la música tradicional de los Andes con la música traida durante la conquista; sin embargo los puristas en el estudio de este instrumento dicen tener pruebas de que este es invención pura de los índigenas de la región lo cual sería bastante notable ya que, como se explica a continuación, su construcción no es nada simple.
Este instrumento al igual que los sikus, se elabora de carrizo, bambú o caña brava, y tiene la peculiaridad de que se encuentra afinado en la escala pentatónica (cinco tonos Do, Re, Fa, Sol y La) pero con la situación extraordinaria de que entre cada tono natural de esta escala, se encuentra una tercera inferior exacta, es decir; y como ejemplo, para un Do se inserta un tubo con el tono Fa#, razón por la cual se cree que no es invención indigena, pues los medios tonos se cree que no fueron conocidos en los Andes sino hasta la llegada de los españoles.
Por eso el sonido que emite el instrumento al soplarlo es como si se estuvieran escuchando «pajaritos» entre cada tono natural.
A diferencia de los sikus, este instrumento tiene alineados los tubos en una sola hilera; por lo que sólo puede ser ejecutado por una persona.
Generalmente el instrumento esta compuesto por un promedio de trenita y dos tubos, sin embargo se encuentran en el mercado algunos con menos o más tubos, también es posible encontrar rondadores con la escala completa de tonos.
Otra particularidad es que el instrumento inicia con dos o tres tubos afinados en tonos naturales (Sol y La generalmente) y a partir del último inician los tubos con afinación en terceras.
En la actualidad no existen muchos ejecutantes de este instrumento, probablemente por su complejidad y aunque no es así siempre, se emplea de hábito en piezas pausadas o de tiempos largos. La Antara (al centro de la foto) también se construye a base de tubos de diferentes bambúes, y su afinación original es la pentatónica, sin embargo, ya es mucho más usual encontrarla con la escala completa de siete tonos.
No se ha podido definir completamente su origen (que se supone es peruano) puesto que se cree que este instrumento es una réplica del suri sikuri boliviano (a la derecha en la fotografía), que al igual que los sikus cuenta con la escala de siete tonos naturales. La antara es un intrumento precolombino y al igual que el rondador, sólo cuenta con una hilera de tubos, mismos que inician tradicionalmente en el tono de Sol y se pueden encontrar fabricados con siete tubos solamente y hasta con catorce tubos.
El Suri Sikuri se puede decir que es una versión ampliada de la antara, también se fabrica de los mismos materiales descritos arriba y como la antara sus tubos se encuentran dispuestos en una hilera de tonos consecutivos.
Cuenta con la escala de siete tonos e inicia con el tono de Sol, y se conforma de entre 20 y 30 tubos.
El nombre de este instrumento es dado también a un bailable tradicional boliviano y al grupo que ejecuta música con este instrumento para los carnavales.
En las Acuarelas de Pancho Fierro, como en las láminas de Martínez de Compañón consta la presencia de MARIMBA ejecutada por negros; probablemente su práctica decae por la dificultad de elaborar dicho instrumento en una costa tan árida como la peruana.
(En las marimbas que se tocan en Ecuador y Colombia se presentan afinaciones y técnicas de ejecución en las que se continúan ancestrales prácticas y códigos africanos.) (Inf. F. Herrera, l978)
Déjame que te cuente, Chabuca, grandiosa / déjame que te venere, como si fueras diosa / déjame que muestre al mundo entero / que en cada corazón peruano, tu recuerdo es duradero.
“La Flor de la Canela” es considerada por los peruanos como su segundo himno nacional, siendo también el vals peruano más interpretado en el mundo. Chabuca Granda le dedicó esa canción a Victoria Angulo de Loyola, una mulata nacida en Barranco el 21 de julio de 1891, donde pasa su niñez para luego mudarse al Rímac donde se casó y que fue donde vivía cuando Chabuca la conoció.
En la casa de Victoria Angulo solían armarse una jaranas memorables que reunían a las grandes glorias de nuestro criollismo de aquella época. Por su casa desfilaban sus primos hermanos Elías y Augusto Ascuez, su prima Bartola Sancho Dávila, también Manuel Covarrubias, Luciano Huambachano, Pablo Casas Padilla y lo más renombrado de la bohemia criolla. Chabuca Granda fue llevada a la casa de Victoria Angulo por María Isabel Sánchez Concha de Pinilla, una barranquina muy vinculada con los artistas.
La casa de Victoria Angulo quedaba en un corralón frente al «Puente de Palo», que ya no existe. Dicho puente quedaba en la curva del ferrocarril Lima-Ancón y comunicaba al Jirón Arica (hoy Rufino Torrico) con «Abajo el Puente» (como también se le conoce al Rímac). Ese «Puente de Palo» es el puente al que se refiere Chabuca Granda en «La Flor de la Canela» y no el Puente de Piedra o el Puente de los Suspiros como, equivocadamente, son mencionados a veces. Al «Puente de los Suspiros» le dedicaría, posteriormente, otro vals.
Chabuca Granda, por esa época, trabajaba en la Antigua Botica Francesa en la Calle Mercaderes (hoy Jirón de la Unión). Victoria Angulo solía visitar a Chabuca allí y le comentaba el trayecto que tenía que recorrer a pie, a través del Puente de Palo, para regresar a su casa. Chabuca fue forjando así una canción que se la iba cantando a las hijas de Victoria cuando ellas la visitaban en su trabajo.
Oscar Avilés, en la entrevista que le hiciera Mario Cavagnaro en el Programa Televisivo «Avanzada Criolla», contó la historia de como el 7 de enero de 1950, Chabuca Granda termina de hacer «La Flor de la Canela», cuyas dos primeras estrofas estaban hechas con casi un año de anticipación: En el cumpleaños de José Moreno Alarcón, el 7 de Enero, el equipo de La Victoria todos van a la casa de José Moreno y con el “chapita” Alfredo Weston cantan con “curdo”, … con Ricardo, … cantan un tema y levantan las voces … entonces Chabuca se queda impresionada y me llama y dice: “… esto es lo que le falta a mi vals, esto es lo que le falta a mi vals…”. De repente vemos que Chabuca se levanta y va hacia las puertas del balcón (Plaza 2 de Mayo Nº 32); … entonces, frente al monumento de la Plaza 2 de Mayo ella empieza a tararear y va combinando lo que va sintiendo, lo que va recordando de las notas agudas, de la expresión de cada uno de los intérpretes y mencionando: “…déjame que te cuente limeño, deja que te diga Moreno…” el dueño de casa, “… déjame que te diga Moreno, mi pensamiento…”. Es ahí, que en presencia de mis compañeros tan queridos, … que están en el cielo, como Augusto Ego Aguirre, Alejandro Cortez …, en fin …, y otros tantos como José Moreno mismo, Leturia, Alfredo Weston y de otro grupo más que estábamos rodeando a Chabuca, encontramos el final de este tema y supimos saborear, eso que ella decía: “… esto es lo que le falta a mi vals…”
«Chabuca» Granda cantó «La Flor de la Canela» por primera vez a Victoria Angulo en su cumpleaños, el 21 de julio de 1950. Ninguna de las dos se imaginaron, en ese instante, que más que un presente de cumpleaños, Chabuca Granda había inmortalizado a Victoria Angulo con su canción.
Victoria Angulo falleció el 20 de diciembre de 1981, pero «La Flor de la Canela» nos hará recordar a ella y Chabuca Granda, por toda la eternidad.
A la muerte de Pinglo, en el año 1936 una legión de compositores populares avivan nuevas inquietudes, dandose la tarea de afirmar la peruanidad “del Vals”. Aparecen grandes compositores inspirados en la escuela que el “Maestro Indiscutible” nos dejo; grandes nombres, en una lista interminable de autores que siguieron embelleciendo con sus obras nuestro pentagrama musical criollo.
Su gran amigo y compadre espiritual, Don Pedro Espinel, le escribio a modo de homenaje (a solo un dia de su partida) el bello vals, “Murio el Maestro”.
Espinel fue uno de los grandes compositores de la epoca, los entendidos en la materia lo denominaron como “El Rey de las Polkas”. Entre las polkas mas conocidas que nos dejo estan: “BomBom Coronado” y “Campesina”, entre otras. Otro de sus grandes amigos fue Nicolas Wetsell, quien musicalizo el primer vals de Pinglo “Amelia”. Entre las obras del maestro Wetsell esta el conocido vals “Esperame” ademas de haber musicalizado muchas otras obras. A Jose Bazan Barrantes le pertenecen los valses “Rosa Luz” y “Grata Pasión”, a Manuel (Mañuco) Cobarrubias, “Tus Pupilas”, “Las Flores de mi Bandera”, Pablo Casas Padilla y sus inolvidables “Anita” y “Olga”, Adrian Flores Alvan escribe “Alma Corazón y Vida”, tambien “Como una Visión”, Don Eduardo Marquez Talledo, su inmortal “Nuve Gris”, tambien escribe “Ventanita” y musicalizo “Mi primera Elegia” bajo la pluma de Serafina Quintera.
Alberto Condemarin, criollo Barrioaltino, compuso uno de los valses mas celebrados por los criollos de todas las epocas, “Hermelinda”, ademas de “Mi Linda Rosa”, Lauriano Martinez rinde tributo a sus hermanos que emigran a la capital con su gran creación, “El Provinciano”, nos dejo tambien “Compañera Mia”, (gran exito en las voces de “los Embajadores Criollos”), Alcides Carreño con mucho orgullo decia que el maestro Pinglo le encargo la interpretación de sus Valses “El Espejo de mi Vida” y “El Plebeyo”; el compuso “Pobre Madre” y “Quisiera”.
Juan Sixto Prieto nos dejo “Destino” y “Fatalidad”, Filomeno Ormeño (destacado pianista Limeño de gran trayectoria musical) nos deja grandes obras como “Canción del Carnaval” y “Vivir para Querer”, Francisco Quiroz Tafur, su vals “Bandida”, le escribio ademas “Vamos Boys” en ritmo de polka a su equipo porteño, otro pianista que destaco fue Luis De La Cuba, quien escribio “Humo Vano” y “Jarana”, Samuel Joya Nery escribe, “Julia” y “Chabuca”, El Chalaco Manuel (Chato) Raygada envia desde Chile, “Mi Perú”; tambien le pertenece “Acuarela Criolla”. Cesar Miro, destacado escritor y periodista a quien se le recuerda por sus inmortales, “Todos Vuelven” y “Malabrigo”, Lorenzo Humberto Soto Mayor, escrbio un himno al amor, en su vals “Corazón”, otro de su autoria es “El Solitario”. Melitón Carrasco nos deja “Rocio Matinal” y “Melodias Divinas”, Alberto Ore Lara, su polka “Si Don Luis”, ademas del vals “Nunca Podran”, Abelardo Carmona escribe “Amor Perdido” y “Madre”, Elisario Rueda Pinto dos de sus mejores temas “Clamor”, y “Balcón”, Agusto Rojas Llerena es el creador de “Rencor” y “Navidad del Niño”, Serafina Quinteras nos dejo “Muñeca Rota” y en homenaje al maestro Pinglo, “Mi Primera Elegia” con musica de su gran amigo Eduardo Marquez Talledo.
Fransisco Reyes Pinglo escribe “Peregrino” y “San Miguel de Morropo”, Amparo Baluarte (poetisa de grandes pergaminos) escribe las letras de los valses “Secreto” y “Nativa”, con musica de Reyes Pinglo, Luis Dean compone “Gloria”, Juan Criado escribio “Angelica”, y “Corazón por que suspiras”, Pedro Duran “Me duele el Corazón”, Don Luciano Huambachano se inspira para componer “Barrio Bajopontino” y “La Perricholi”, Alberto Haro es el autor de “Hilda”, y “Tiendeme La Mano”, a Jorge Huirse le pertenecen “ Encontre una Carta Tuya” y “Quisiera Verte Siempre”, Gilberto Plasencia presenta “Tu Culpa”, y “A mi Madre Querida”, Rafael Otero Lopez es el autor de “Yolanda” y “Estrechame”, Pedro Miguel Arriese “Alma Mia” y “Deseperación” , Raúl Calle “Yo Te Perdono”, Erasmo Diaz “Un Solo Corazón y “Sincera Confesión, Felipe Coronel Rueda escribio “Estrellita del Sur” y “Mi Desolación”, Miguel Carrea, “Nunca me Faltes” y “Alma Herida”, La dama de la composición, nuestra Isabel (Chabuca) Granda, “La flor de la Canela”, “Jose Antonio”, Juan Gonzalo Rose (el poeta del vals) nos dejo “Si Un Rosal Se Muere” y “Tu Voz”, Miguel Paz escribio “Desden”, Emilio Pelaez “Triste Despedia”, el chino Luis Abelardo Nuñez, “Mal Paso”, y “Engañada”, los hermanos Santa Cruz Victoria y Nicomedes nos entregaron “Callejón de un Solo Caño”, Mario Cabagnaro nos dejo sus valses en replana “Carretas Aqui es el Tono”, le pertenece tambien “Yo La Queria Patita”, Alicia Maguiña nos presenta “Indio” e “Inocente Amor”, Augusto Polo Campos, “Cuando Llora Mi Guitarra” y “Vieja Limeña”, Manuel Acosta Ojeda, su tema antologico “Madre” y “Si Tu Me Quisieras”, Felix Pasache nos deja “Dejalos” y el popularisimo “Nuestro Secreto”, de la autoria de Pedro Pacheco son “Asi Lo Quieres Tu” y por pedido de nuestra “Morena de Oro del Perú” Lucha Reyes, escribio “Mi Ultima Canción, la señora Ana Renner escribe “Olvidate de Mi Amor” y “Quiero Pedirte Perdón”, Maria Gladys Prats “Como Una Rosa Roja”, Miguel Cabrejos escribio, “Victoria” y “Guitarra Mia”, Leonor Garcia “No Lo Llames” y “Hoy y Mañana”, Teresa Blas y su “Lejano Amor”, Angel Anibal Rosado compone “Mis Sueños” y “Mis Esperanzas”, la conocida interprete Teresita Velasquez compone “No Te He Dado Motivo” y “Cuando los Hijos se Van”, Juan Mosto Domec nos entrega “Mi Mundo” y “Dime”, Jose Escajadillo “Jamas Impediras” y “Que Somos Amantes”, Alejandro Lara “Cuentamelo Todo” y “Dejame en Paz”, Efrain Castro (Gargantita) “Un Señor Vals” y “Antes de Partir”.
Como dije al comienzo de este articulo, la lista es interminable, en esta fuente inagotable de talento, tradicion y amor por lo nuestro. Muchos de estos personajes no estan mas con nosotros, pero nos dejaron sus composiciones como legado del criollismo que vivio en ellos, criollismo que se quedara siempre y para siempre con nosotros, engalanando las paginas de nuestro pentagrama musical, esa musica que nacio del pueblo para el pueblo y que los criollos llevamos por dentro, muy metida en el alma y el corazón.
Hablar de don Abelardo Vásquez es , hablar de toda una institución dentro nuestro folklore popular costeño, y en especial de la música limeña..
Descendiente de Don Porfirio Vásquez Aparicio, el Patriarca del Folklore Negro, quién se asentó con su familia , procedente de Aucallama, en el distrito limeño de Breña.
Fue Don Porfirio maestro en las décimas de Nicomedes Santa Cruz, y su hermano Carlos Vásquez Aparicio fue un pilar importantísimo de este arte.
Por los años cincuenta el conjunto “Porfirio Vásquez y sus hijos” realizó numerosas presentaciones en las que destacaba nítidamente su hijo Abelardo.
Artista particularmente completo, a decir de los entendidos, pues dominaba casi todas las disciplinas del arte . Guitarrista, zapateador, percusionista, bailarín, actor, compositor, y por si fuera poco dueño de una voz aterciopelada, primerísima , y también excelente segunda voz.
Sin embargo, a mi modesto entender, la cualidad más importante de Abelardo era su deseo de volcar sus conocimientos , de alguna manera, pues no hay métodos definidos para enseñar folklore, y mucho menos el difícil arte de cantar Marinera de Lima, en lo que Abelardo, sin duda, fue, es , y será , EL MAESTRO.
Nacido el 2 de Enero del 29, actor precoz a los seis años en la película nacional “El Gallo de mi Galpón”, integra la primera compañía de música negra formada por José Durand Flores, prestigioso doctor en letras, diplomático e impulsor de nuestra cultura popular negra, a quién tuve la suerte de conocer.
Esta compañía , se llamó Pancho Fierro y consiguió un logrado espectáculo de fiesta y baile negro que llegó hasta el Teatro Municipal y la Plaza de Toros de Acho, para ser apreciado por la alta sociedad limeña de entonces.
Abelardo contribuyó en gran medida, a partir de allí, en toda producción musical importante que se hiciera sobre nuestra música negra. Los logrados trabajos de Victoria
y Nicomedes Santa Cruz, con su conjunto Cumanana, donde Abelardo era el obligado cantor de pregones, danzas, pero sobretodo, de la Marinera de Lima.
De esto queda el testimonio, en los discos de antología reeditados por Iempsa , ahora en CD SOCABÓN Y CUMANANA grabados en el año 1975.
Previamente grabó Ritmos Negros del Perú, con Nicomedes en el año 1971, precisamente en momentos en que Porfirio su padre fallece, y queda la placa como homenaje póstumo al
Patriarca del Folklore Negro, y jefe de familia de los Vásquez, tronco fundamental para las raíces de nuestra música de la costa, que junto con los Santa Cruz, los Ascuez, y posteriormente Ronaldo Campos y su Perú Negro, conforman la columna vertebral , sobre la que descansa nuestra música afroperuana.
Abelardo ejerció, durante treinta largos y fructíferos años la docencia en folklore negro, en la Escuela Superior José María Arguedas. Como he dicho anteriormente, la cualidad que considero más importante en él, es precisamente su afán de enseñar, su perseverancia y paciencia, a pesar de tener un genio muy fuerte.
Debo destacar , de todas las disciplinas o cursos que enseñó, especialmente el llamado
CANTO DE JARANA, que se impartió de manera exclusiva y única.
Abelardo era genial, pues terminaba sacando cantores, de personas que llegaban en cero, y además con problemas de compás, personas que no tenían en su mayoría estudios previos de canto, ni voces educadas. Era tal su insistencia, y el ejemplo inigualable de oírlo cantar sólo para sus alumnos, que todos tratábamos de imitarlo de la mejor manera.
En el año 1974 se graba el antológico LA MARINERA LIMEÑA ES ASI, donde junto con Augusto Ascuez, el Señor de la Jarana, Augusto Gonzales, El curita, Carlos Hayre y su hermano Vicente Vásquez en las guitarras, el cajón de Reynaldo “Canano” Barrenechea , las palmas y guapeo de Valentina Arteaga, queda escrita la única página didáctico musical de Canto de Jarana o Marinera de Lima.
Demás esta decir que Abelardo propició un “culto” casi religioso por este arte, nos contagió una especie de “virus” del cual algunos(as) como yo, no queremos encontrar la vacuna .
Y además, junto con ello, toda un gama de enseñanzas ético morales, que regían la vida de los criollos de antaño, reglas que se tenían que respetar si ansiabas pertenecer al criollismo.
Si querías cantar jarana debías escuchar con atención a los mayores, pedir permiso y esperar tu turno.
También en 1974, grabó el disco titulado Los Vásquez, con sus hermanos Vicente, Pipo
y Osvaldo, valioso aporte a nuestra música, con Pregones como el Pan de Dulce, con música de Abelardo y letra de Nico Cisneros, El Aguador y La Buñuelera de Victoria Santa Cruz, y también de Victoria su hermosa danza o habanera, Obsesión.
Posteriormente en el año 1989 graba su homenaje musical a su Padre Porfirio, y sus hermanos Pipo y Vicente fallecidos también. Con valses de Porfirio, como Los Ñorbos, A Gardel, y valses muy antiguos y jaraneros como El Vergel, y El Huracán de Miguel Almenerio.
En el año 2000, la última producción EL GRAN ABELARDO VASQUEZ, con temas suyos, como el vals Carmina, el festejo Camote asao, Humanidad de Pablo Casas.
No te aguaito de Máximo Bravo, compositor de Breña el barrio de sus amores, y muchos temas más.
Después de su partida física en Abril de 2001, salió a la luz la producción de Ester Dávila Bartola, con la que grabó Cristal Herido y un contrapunto de Jarana Limeña realmente sensacional. Asi como a Ester, su voz acompañó a casi todos los artistas criollos, en su momento, como Cecilia Barraza, Cecilia Bracamonte , Ellen Burhun , El Centro Musical Unión, y muchos más en sendas producciones discográficas.
Abelardo es el principal responsable de que La marinera limeña , en su esencia, aún permanezca entre nosotros y se inserte en las futuras generaciones gracias a la labor de sus alumnos tanto en el baile como en el canto. Y por supuesto del amor a nuestra música que sembró con ahínco en nuestras mentes y nuestros corazones.
Gracias Maestro
Mercedes Mendoza Canales
09296178
Lima, 15 de Marzo de 2,003 ( Mega Reunión)
